Die Galantenfestivals zu dieser Zeit Louis XV

Sie haben sie sicherlich gesehen, auf Porzellan, Leinwand oder sogar Tapisserie, diese kleinen galanten Paare, die auf dem Land haften. Aber wer sind sie? Warum sitzen sie in so eleganten Outfits auf dem Boden? Da wir die Formalität der Barockkunst der früheren Periode müde, treten wir in eine Zeit ein, die sich der Leichtigkeit verwandelt. Der Gerichtshof verlässt Versailles in Paris, einen Ort, der mehr Freiheit fördert und die Lieben begünstigt. Kehren wir zu diesem französischen 18. Jahrhundert zurück, das das Leben in Pink sieht.

Galante Festivals in Major Art

Im 17. Jahrhundert galt das Geschlechtsmalerei, eine große venezianische und flämische Tradition, als geringfügig. Es sind nur anekdotische Szenen des Alltags, die der Akademie nicht gefallen. Liebesszenen haben ihren Platz nicht in der intellektuellen Elite der Aristokratie. Erst 1717 mit dem Empfangsstück die Pilgerreise zur Insel Cythera von Antoine Watteau (1684-1721), die sich ändern kann. Die Akademie, die mit ihrem Talent konfrontiert ist, weigert sich, sie in ein kleines Genre zu bringen, und beschließt, das Genre der galanten Partei zu schaffen.

Es geht darum, einen Moment der sozialen Müßiggang der Aristokratie in einem Land . Hinzu kommt das Konzept der Verführung stark vorhanden. Antoine Watteau repräsentiert nicht mehr nur das tägliche Leben, sondern eine Leichtigkeit, die beide Personen anspricht, von denen der Großteil der Finanzierung kommt, und der von der Regierung ernannten Akademie der bildenden Künste.

Keks, Jagdszene mit galantem Paar, 18. Jahrhundert

Aber was stellt die tapfere Party einer anderen Szene aus dem aristokratischen Leben an? Das Thema der Liebesleidenschaft in bukolischen Sets ist ein Vorwand, um mutig und originell in der Komposition des Werkes zu sein. Die Künstler spielen auf der Moderne der Kleidung und integrieren sie in die Zeitlosigkeit des Ortes. Watteaus Werke veranschaulichen die Kleidungsmodi, die zeitgemäß dafür sind. Kunsthistoriker nennen die Falten im hinteren Teil der französischen Kleider der "Fold Watteau" -Perenz nach ihren spezifischen Beschreibungen. Diese Kleidung zeigt den hohen Status der Protagonisten. Dies ermöglicht es den Aristokraten, sich in diesen untätigen und empfindlichen Szenen zu erkennen.

Es gibt auch einen starken Ort, der Theatralik und doppelte Sprache gegeben wird. Die Galanterie ist mit anspruchsvollen Codes geschmückt, die für die Aristokratie spezifisch sind . Sie ermöglichen es zu bestimmen, wer Teil der guten Gesellschaft ist und welche davon ausgeschlossen ist, während die Bourgeoisie die Mittel hat, sich mit dem Adel zu verschmelzen. talanter zu sein bedeutet zu wissen, wie man in der Gesellschaft nach seinem Tempo gefallen kann, seine Manieren und seine Finesse des Geistes. Alles ist ein Vorwand für die Galanterie, von der Bewegung eines Fans bis zur Position einer Fliege im Gesicht einer jungen Frau. Die Codes sind auf alltägliche Objekte eingeschrieben, von den Lüftern bis hin zu den Buscs (Holzklinge, die vor dem Oberteil eingesetzt sind, um die Steifheit aufrechtzuerhalten) von Walkörpern. Dies führt zu einer sehr vielfältigen Ausbildung in aristokratischen Jugendlichen, die jedoch oberflächlich bleibt. Dandies des 19. Jahrhunderts stark inspirieren

Altes Pendel in vergoldeter Bronze und Porzellan mit einer galanten Szene

Nicht alle diese Feste werden im Inneren gemacht. Es wäre unangemessen, in einem Wohnzimmer oder in einem Ball zu unternehmungsfähig zu sein. Bei Spaziergängen im Freien, weit entfernt von den Verpflichtungen des Labels, kann Liebe am unternehmungslustigsten sein.

Pastoral oder liebe dich im Freien

Wenn wir versuchen, der Natur näher zu kommen, muss wir zeigen, dass wir wissenschaftlich sind und dass wir die Schriften von Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) gelesen haben. Ihm zufolge ist der Mensch von Natur aus gut und es ist die Gesellschaft, die ihn gefährdet. Somit sind die der Natur am nächsten stehenden Menschen in der Natur respektabel. Dies führt zu einer sentimentalistischen Vision von Bauernkreisen, die als reiner gelten. Die Veranschaulichung von Hirten ist eine Gelegenheit, das Gewicht des Schicksals von Gefühlen über Menschen auszudrücken, die als "einfach" und "unschuldig" gilt. In der Tat würden wir die Aristokratie kritisieren, zu weit von Natur, Eitelkeit und Lust und nicht von Todesfällen.

Diese Idee ist nicht neu, das Pastoral wird in der Literatur aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. Durch Virgile in den Bukoliken populär gemacht, wächst aber während der italienischen Renaissance wirklich. In Frankreich war es Honoré d'urfé (1607-1628), das 1607 die Pastoralversorgung hervorhebt. Der Roman beschreibt die Abenteuer junger Menschen, deren edle Vorfahren sich entschieden haben, sich von Kriegen zu entfernen, um in Hamlets auf den Banken der Lignon zu leben.

  Detail einer galanten Szene auf einem alten Porzellan und vergoldeten Bronze -Pflanzer

Das Thema der pastoralen Arbeiten in ordnungsgemäß gesprochenen Kunststoffkunst kommt 1737-1738 François Boucher Anschließend konzipierte er Szenen sorgloser Jugendlicher und spielerisch in einem Bild des idealisierten Bauernlebens. Die Hirten und Hirten, die als Herren gekleidet sind und deren nackte Füße niemals verschmutzt sind, halten Herden, die wenig Pflege benötigen. Sie scheinen völlig unempfindlich gegenüber den harten Bedingungen des ländlichen Lebens.

Indem wir uns mit Werken umgeben, die diese ideale Gesellschaft repräsentieren, die gebildet, aber der Natur nahezu ist, passen wir Tugenden an. Transponieren Sie eine tapfere Szene in einer bukolischen Landschaft eine Möglichkeit, die gute Grundlage der geäußerten Gefühle zu garantieren.

Marie-Antoinette auf dem Höhepunkt sein . Sie bittet Richard Mique, ihm mit strohgedeckten Hütten und einer landwirtschaftlichen Ausbeutung am Stadtrand des Trianon ein ländliches Dorf zu machen. Es gibt eine Scheune, Milchprodukte, stabil, Pigsty und Chicken Coop. Die Legende besagt, dass sie "in der Hirtin gespielt hat", es ist nicht genau die Realität, da er diesen Ort hauptsächlich als Ort des Spaziergangs verwendet hat. Diese Konstruktionen zeigen immer noch die wichtige Anziehungskraft, die die ländliche Welt hatte und ihre Aktivitäten in der aristokratischen Gesellschaft.

Das Bild eines Rococo -Lebensstils

Nach dem Tod von Louis XIV strebt Frankreich mehr Leichtigkeit an. Der Adel, der von einem sehr strengen und beteiligten Label in zahlreichen Kriegen gerichtet ist, nahm die Regentschaft (1715-1723) mehr Freiheit und die Mores werden erweicht. Durch die Schirmherrschaft von Mme de Pompadour , Herrin von Louis XV, wird die Essenz der Rococo -Kunst . Die Farbpalette klärt sich auf und ist in Rosenschatten erhältlich, blau und blond, um die Lebensfreude des Hofes widerzuspiegeln. Insbesondere das Rosa, die Farbe der Blume der Göttin Venus, nimmt die Wichtigkeit an, den Marquise zu imitieren, der es in Versailles trägt. Rococo wird zu einem Lebensstil, der auf dem raffinierten Vergnügen der Sinne und der ästhetischen Zufriedenheit basiert.

In dieser Perspektive verbreitet es sich auf alle Unterstützungen. Die Manufacture de Sèvres (königlicher Hersteller im Jahr 1759) verwendet die Gravuren und Themen von François Boucher, die von Mme de Pompadour für ihre Erfolge von Porzellan geschützt sind. Das Weiß der jungen Frauen, die die Weißheit der Materie sublimieren. Zwischen 1778 und 1797 gibt es eine große Menge an pastoralen Themen in Keksen, kleine Statuetten ohne Glasur, die als Tischdekor dienen. Dies ist eine Gelegenheit, die Vorstellungskraft von Zuschauern zu stimulieren und zu Gesprächen zwischen den Gästen zu führen. Wir bemerken sowohl den Reichtum des Dekors seines Gastgebers als auch seine Fähigkeit, über die unschuldigen Szenen hinaus zu sehen.

 Blaues Porzellanschnitt, im Stil von Sèvres, 19. Jahrhundert

Weil Sie sich nicht irren sollten, sagen Sie Fleurette auf dem Land nicht nur für große Liebe vorbehalten. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts kam das Konzept des Libertinismus . Der Begriff existierte bereits im 17. Jahrhundert, stellte jedoch hauptsächlich eine Denkfreiheit und eine gewisse Unbeständigkeit für das Gefühl der Liebe dar. Aus der Regierungszeit von Louis XV , einem guten König, der verleumdete Freuden lebt, wird er zu Synonym für die Suche nach fleischlichen Freuden. Dies führt zu einer doppelten Sprache von Werken zwischen Erscheinungsszenen und rohen sexuellen Konnotationen.

Schirme, die Flöte spielen, können die Leichtigkeit des Verliebens in eine musikalische Atmosphäre zeigen, die von harmonischer Natur umgeben ist und eine sexuelle Handlung für die Gesellschaft des 18. Jahrhunderts darstellt. Das Looksspiel weicht manchmal expliziten Gesten oder entlassenen Outfits. Dies ist der Fall auf der Jagdbühne mit einem galanten Paar aus unserer Sammlung.

Das Ende der Partei, Ankunft des Neoklassizismus

Diese Verderbtheit der Aristokratie appelliert nicht alle an und bereits 1750 sahen wir eine Bewegung, die sich gegen felsige Kunst widersetzt: Neoklassizismus . Die pastoralen Szenen existieren weiter, aber sie nehmen eine tugendhaftere Wendung. Die Darstellungen sind nicht mehr miteinander verbunden, und die Darstellungen konzentrieren sich auf die edlen Werte der Landarbeit. Wir behalten nur felsige Festivals nur das Dekor eines Arkadiens , das Bild des alten Roms. Jean-Hoonoré Fragonard (1732-1806), Virtuoso der bukolischen Liebe, wird den Preis für diese Geschmacksänderung zahlen. Seine Serie von Gemälden für das Schloss von Louveciennes von Madame Du Barry , einer weiteren Geliebten von Louis XV, die die Phasen des romantischen Engagements repräsentiert, wird ihm zurückgegeben. Stattdessen wird der Sponsor Joseph Marie Vien (1716-1809) viel neoklassizigerer Leinwände fangen.

Pendel Die Hirten von Arcadia, XIXTH Ära, Detail

In den 1780er Jahren gab es eine totale Ablehnung des felsigen Stils, der als zu leichtfertig und dekadent eingestuft wurde. Das Gemälde der moralisierenden Geschichte übernimmt die Genre -Szenen. Die verwendete Farbpalette verdunkelt sich und die rosa Farbe wird zugunsten des Rotes als ernsthafter aufgegeben. Wir versuchen nach den archäologischen Entdeckungen von Pompeji und Herculanum zu den Kunstquellen zurückzukehren.