Art -Deco, Moderne der brüllenden zwanziger Jahre

Wer hat nicht schon einmal davon geträumt, in einem prachtvollen Art-déco- , ganz wie in „Der große Gatsby“? Der Art déco, oft als Inbegriff der Ästhetik der Goldenen Zwanziger , ist eine vielseitige Kunstrichtung, die sich durch ihre Formenvielfalt und die Qualität ihrer Werke auszeichnet. Er verkörpert die Flucht einer unbeschwerten Jugend, die nach einem verheerenden Krieg ein neues Leben beginnen wollte. Doch wie entstand dieser Stil, der so charakteristisch für eine ganze Epoche war?

Wie entstand der Art déco?

„Es ist die gesamte nervöse Anspannung, die sich während des Krieges angesammelt und nicht abgebaut hat“, sagte Scott Fitzgerald 1931 in Jazz Age.

Die Anfänge dieses Stils zeigten sich jedoch bereits in den 1910er Jahren . Obwohl der Jugendstil damals noch sehr populär war, stießen seine pflanzenartigen Kurven nicht überall auf Zustimmung. Kritiker hielten sie für unanständig und lächerlich und nannten sie den „Nudelstil“. Sie strebten nach schlichteren Linien und zurückhaltenderen Formen. Dies war eine Art Rückkehr zur Ordnung, die sich bereits in deutschen und Wiener Entwürfen abzeichnete. Sie wurzelte auch in einem ästhetischen Umbruch mit Sergei Diaghilews Ballets Russes, die Tausendundeiner Nacht inspiriert waren und 1909 Tänze, Musik und Gemälde umfassten. Das Wiederaufleben des Orients als wichtige Inspirationsquelle zeigte sich sowohl in der Kunst als auch in der Pariser High Society. Der berühmte Paul Poiret veranstaltete in seinem Haus eine große Kostümparty mit dem Titel „ Tausendundeine Nacht“, zu der zahlreiche Künstler eingeladen waren. Eine neue Ära brach an. Leider brach 1914 der Erste Weltkrieg aus und unterbrach all diese neuen Entwicklungen abrupt.

Beispiel eines Jugendstil-Schreibtisches

Nach der Rückkehr vom Schlachtfeld erlebte der Art déco seine Blütezeit. Es waren die Goldenen Zwanziger , eine Zeit, in der sich junge Menschen in endlose Vergnügungen stürzten, um die Schrecken der Schützengräben zu vergessen. Sie suchten nach Fantasie und Unterhaltung. Dies führte zur Entstehung des Neuen Stils, des modernen Stils oder des Modernen Zickzacks, wie er genannt wurde. In Paris erlangte er große Bedeutung. In der Hauptstadt der Vergnügungen fand 1925 die Internationale Ausstellung für Moderne Dekorative und Industrielle Kunst . Diese bedeutende Messe präsentierte 21 Länder und zählte über 16 Millionen Besucher. Innerhalb von acht Monaten revolutionierte sie Architektur und dekorative Kunst weltweit. Dieser Stil fand sich in Hotels, Bars, Ozeandampfern und Kinos wieder – luxuriösen und komfortablen Orten, die von der Jugend der 1920er-Jahre . Die rasante Verbreitung dieser Ästhetik, begünstigt durch die Entwicklung der Kommunikationstechnologien, wurde auch durch den Zustrom von Amerikanern gefördert, die den niedrigen Wert des französischen Francs ausnutzten. Abwandlungen davon finden sich von Brasilien bis Japan und vor allem in den Vereinigten Staaten, die zur Wiege des Streamline-Stils .

modern ausgerichteten Formen entstand . Von den Gebäuden verbreiteten sich Motive und Ideen in die dekorativen Künste. Ziel war es, die der Moderne durch neue, mitunter provokante Gestaltungselemente auszudrücken. Man war sich einig, die Linien zu vereinfachen, was die Kreationen jedoch nicht verarmte. Inspiration kam aus allen Teilen der Welt: Japan, China, Fernost und Afrika. Neue, exotische Materialien und solche, die aus technologischen Fortschritten hervorgingen, wurden erforscht. Die Goldenen Zwanziger brachten zahlreiche Innovationen hervor, die die dekorative Landschaft revolutionieren sollten.

Dekorationen und Ornamente

In den 1920er- und 30er-Jahren entstand ein neues Konzept: die Kunsthandwerker, die einzigartige, auf den Geschmack junger Menschen zugeschnittene Möbel entwarfen. Zu ihnen zählten so renommierte Künstler wie Ruhlmann , Jules Leleu , Paul Iribe, Maurice Dufrêne und Charles Dudouyt , deren Werke in unserer Sammlung vertreten sind. Frei von Zwängen konnten sie neue Formen erkunden, die die Goldenen Zwanziger prägten, und gleichzeitig den Formen der Vergangenheit treu bleiben. Ziel war die Modernisierung der Tradition. Der Art déco verkörperte eine Art Rückkehr zur Ordnung, ein Trend, der sich durch die Krise von 1929 und die Weltwirtschaftskrise der 1930er-Jahre noch verstärkte.

Sideboard im Stil von Jules Leleu :

Die Themen sind sehr vielseitig und abwechslungsreich, und wir können nur einen oberflächlichen, aber wesentlichen Teil davon behandeln.

Die auffälligste Veränderung ist zweifellos die Abkehr von den geschwungenen Linien des Jugendstils . Es vollzog sich eine Hinwendung zu einer weicheren, lyrischeren Bildsprache. Dieser Ansatz der Vereinfachung entsprang zunächst dem nüchternen Neoklassizismus, bevor er sich der Kunst der Avantgarde zuwandte: Kubismus , Orphismus und deutscher Expressionismus – obwohl diese nicht immer klar voneinander abgegrenzt waren –, die alle eine neue Bildsprache boten. Es war eine Entwicklung hin zur Geometrie , die als Essenz der modernen, mechanisierten Welt galt. Die Formen waren rein: Kreise, Quadrate und gerade Linien; abgeschrägte Kanten und fragmentierte Motive. Die Natur selbst verlor ihre Wildheit, synthetisierte Formen wurden auf ihr Wesen reduziert. Die Rose wurde zu einem flachen, extrem geometrischen Motiv. Der Art déco versuchte, die Natur zu zähmen, indem er sie der Ästhetik der Epoche unterordnete. Dies ist ein Beweis für die Dominanz des modernen Menschen, der die Natur durch intellektuellen und technologischen Fortschritt unterworfen hat.

Bronzeskulptur „Zwei Möwen auf einer Welle“ von Enrique Molins

Geschwindigkeit und Dynamik der modernen Ära darstellen . Das Automobil hielt Einzug in die Straßen von Paris, Ozeandampfer ermöglichten immer schnellere Überfahrten, und der Traum von der Luftfahrt nahm Gestalt an. Diese Prinzipien flossen in die Dekorationen ein. Der Panther wurde zu einer eleganten Verkörperung der Dynamik und der ungestümen Energie jener Zeit. Hier finden Sie einen Bronzeguss von Enrique Molins' „ Zwei Möwen auf einer Welle“, der diesen Wunsch, das Tierreich zur Darstellung von Geschwindigkeit und technologischen Errungenschaften zu nutzen, deutlich veranschaulicht. Der rasante Sturzflug der Vögel ins Meer verweist auf die Flugvorführungen, die das Publikum faszinierten.

Alabasterskulptur „La Samaritaine“, Art Deco

die Frauen spielten eine immer wichtigere Rolle. Diese weibliche Emanzipation verkörperte die Flapper-Bewegung schlanke Silhouette war von Modedesignern wie Gabrielle Chanel und Paul Poiret . In der Kunst spiegelten sich Frauen in ihren zeitgenössischen, langen und eleganten Gewändern wider. Man sieht sie in den Gemälden von Tamara de Lempicka oder in Skulpturen als tanzende Figuren, die Schleier um sich wirbeln. Sie traten auch an die Stelle der Göttin der Antike, mit denselben stilisierten und langgezogenen, fast manieristischen Schönheitsidealen. Die Figur der Samariterin war besonders prominent, und viele Restaurants trugen ihren Namen.

Schließlich gab es eine gewisse Faszination für antike Zivilisationen, die durch die zahlreichen archäologischen Entdeckungen in Mesopotamien, Mesoamerika und insbesondere Ägypten befeuert wurde. Howard Carters Grabes von Tutanchamun ägyptisch inspirierter Art déco aus . Dabei wurden jedoch vorwiegend generische Themen wie Lotusblumen, Skarabäen und Hieroglyphen verwendet.

Materialien der modernen Welt

Die Pariser Kolonialausstellung brachte afrikanische Kunst . Abstrakte Motive und dunkle Farbpaletten in Schwarz und Braun blieben besonders in Erinnerung. Vor allem aber offenbarte sie einen gewissen Geschmack für Materialien, insbesondere für exotische Hölzer wie Makassar-Ebenholz und Palisander, die aus fernen Ländern importiert wurden. Diese wurden aufgrund ihrer inhärenten ästhetischen Qualitäten geschätzt; das Material selbst wurde zum Schmuckstück. Dies rechtfertigte die Verwendung zahlreicher Furniere und Intarsien aus Elfenbein, Perlmutt, Spiegeln und Haifischleder . Es handelte sich um luxuriöse, mitunter extrem teure Materialien. Es war eine verschwenderische Zurschaustellung von Luxus, die keine Kompromisse einging.

Die Beleuchtung gewinnt an Bedeutung, um Räume aufzuwerten und Fortschritt zu symbolisieren. Elektrizität ist allgegenwärtig, von prunkvollen Salons und Restaurants bis hin zum eigenen Schlafzimmer, und zahlreiche Tischlampen, die Chrom und Holz kontrastreich kombinieren, entstehen. Technologischer Fortschritt wird durch neue Techniken zum Ausdruck gebracht. Anfang der 1920er-Jahre . Dies spiegelt modernen , optimistischen und zukunftsorientierten Geschmack wider. Bei Kronleuchtern fängt das Glas die Bewegung eines erstarrten Brunnens ein und spiegelt so die Dynamik der modernen Welt wider.

Um 1930 übernahmen die Vereinigten Staaten die Führung, und der Stil entwickelte sich hin zu größerer Schlichtheit und Verzicht auf Ornamente. Dies ermöglichte die Anpassung an die Massenproduktion des Art déco. Art déco wurde erschwinglich, um den Bedürfnissen der Weltwirtschaftskrise gerecht zu werden. Dies ermöglichte eine breite Distribution und brachte die Ästhetik in jedes Zuhause, selbst in bescheidene. Um die Verbrauchernachfrage zu befriedigen, wurden bis dahin unbekannte Materialien wie Kunststoff und Aluminium verwendet. Art déco charakterisiert das moderne Amerika mit seiner Konsumorientierung und seinem ungezügelten Individualismus. Die Ästhetik erreichte ihren Höhepunkt auf der Weltausstellung 1939 in New York .

Abschluss

Nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte der Art déco einen Niedergang. Er wurde von der parallel verlaufenden Bewegung des Modernismus . Obwohl beide Stilrichtungen ihren Ursprung in der gleichen Ausstellung von 1925 hatten, entwickelten sie sich anders. Unter der Führung von Le Corbusier empfanden die modernistischen Designer die protzige Zurschaustellung von Luxus als nicht mehr zeitgemäß. Die Nachkriegszeit war geprägt von Sparsamkeit, Rationalismus und Funktionalismus. Ornamente galten als überflüssig und „sollten verdächtig betrachtet werden“, so der modernistische Kritiker Herbert Read. Dieser Kunsthistoriker ging sogar so weit zu sagen, der Art déco solle aus der Kunstgeschichte getilgt werden.

Zum Glück sahen das die Antiquitätenhändler der 1960er-Jahre anders. Von Kulturinstitutionen gemieden, retteten Kunsthändler die Art-déco-Möbel, die als veraltet und ohne historischen Wert galten. Ihre Bemühungen trugen Früchte: Die erste Retrospektive mit dem Titel „ Stil 1925 Union Centrale des Arts Décoratifs . Dies markierte den Beginn der breiten Anerkennung. Der Begriff Art déco etablierte sich in den 1970er-Jahren im allgemeinen Sprachgebrauch. Die Begeisterung für diesen Stil wuchs in den 1980er-Jahren rasant und erreichte mit dem Kinostart von „ Der große Gatsby“ mit Leonardo DiCaprio im Jahr 2013 ein noch breiteres Publikum.

Der Art déco hat daher eine glänzende Zukunft vor sich, sei es in Einrichtungshäusern, die Kopien herstellen, aber vor allem für die Originale, die noch immer die Spur der Aufbruchstimmung der Goldenen Zwanziger .

Bibliographie

  - Geschichten des Art déco, José Alvarez, 2010

  - Der Art-Deco-Stil, Ghislaine Wood, 2003

  - Art Deco, 1910-1939, Tim Benton, 2003