Mythologie in den dekorativen Künsten des 19. Jahrhunderts

 

„Vor der weiß gestrichenen Wandvertäfelung standen acht Mahagonistühle. Ein altes Klavier trug unter einem Barometer einen pyramidenförmigen Stapel Kisten und Kartons. Zwei mit Gobelins bezogene Sessel flankierten den gelben Marmorkamin im Stil Ludwigs XV. Die Uhr in der Mitte zeigte einen Vesta-Tempel (…).“

Gustave Flaubert, Ein einfaches Herz , 1877.

 

 

Das bürgerliche Interieur und die Vorliebe für antike Motive 

 

Im 19. Jahrhundert erfreute sich das Bürgertum einer blühenden Lage, und dieser soziale Erfolg kam insbesondere durch die Inszenierung der dekorativen Elemente des Wohnzimmers zum Ausdruck: die stilvollen Möbel, das Klavier und der Marmorkamin mit der Uhr, die mit antiken oder mythologischen .

Die Renaissance und die Wiederentdeckung des Klassizismus

 

und begeistert aufgenommen wurde . Sie schmückten Wände, Decken und Dekorationsgegenstände von Palästen mit legendären Figuren des klassischen Pantheons. In Frankreich unter Ludwig XV. traten mythologische Gestalten neben geschwungenen Linien, Rokoko und exotischen Motiven auf.

 

Paar Bronzeskulpturen „Merkur“ und „Fortune“ nach Jean de Bologne, Renaissance-Künstler

 

Die Antike neu betrachtet: Neoklassizismus

 

Um 1750 entwickelte sich in Frankreich eine Vorliebe für klassische Motive. Diese Kunstrichtung, der Neoklassizismus, basierte unter anderem auf der Verwendung eines dekorativen Repertoires, das der griechisch-römischen Geschichte und Mythologie , wie etwa dem Bacchantismus, . Das 19. Jahrhundert setzte diese Faszination für den Klassizismus und die antike Zivilisation fort und erhob sie zu einer Doktrin, einem Stil.

„Bacchantinnen und tanzende Putti“ in Bronze nach Clodion

 

Von der Renaissance an und über vier Jahrhunderte hinweg orientierte sich die westliche Kunst an der griechisch-römischen Antike. Mythologische Figuren und Gruppen zierten Lampen, Uhren , Kästchen, Becher , Kandelaber antiken verzierte Einrichtungsgegenstände galten als Inbegriff von gutem Geschmack und blieben bis zum Ende des 19. Jahrhunderts sehr modern.

Alabasteruhr, Die Entführung der Europa, Restaurationszeit

 

Götter der Antike

Büste der Diana der Jägerin nach Houdon

Die Legenden um Psyche , Diana , Merkur und Bacchus zählten zu den Lieblingsmotiven der Künstler. Gruppen von Nymphen und Satyrn, Leda und Zeus in Schwanengestalt wurden in großer Zahl in Bronze, Marmor oder Terrakotta dargestellt.

 

Helden der Antike und literarische Quellen

 

Neben den Göttern und Göttinnen des griechischen und römischen Pantheons faszinierten die Figuren aus den Erzählungen des Trojanischen Krieges , der Ilias und der Odyssee . Rom seinerseits profitierte von so renommierten Quellen wie Homers beiden Epen, darunter Vergils Aeneis Metamorphosen . In der Aeneis die Geschichte des trojanischen Helden Aeneas, des mythischen Stammvaters des römischen Volkes. Unsere beiden Stiche aus der Kaiserzeit zeigen Aeneas’ Liebesbeziehung zu Dido, der Königin von Karthago, und seine Begegnung mit Helena, der Königin von Sparta.

 

Helena und Paris umarmen sich in Marmor und Alabaster

Liebe und eine Vorliebe für die Kindheit

 

Das wohl am weitesten verbreitete Motiv in der zeitgenössischen Vorstellungswelt war die Figur des Amor . Ob aus Bronze , Biskuitporzellan oder Porzellan – Amor zeigt sich als schelmisches und verspieltes Kind. Oft ist er in Gesellschaft junger Frauen dargestellt, die musizieren oder seine Pfeile vorbereiten, wie beispielsweise auf unserem Kaffeeservice aus Porzellan aus der Zeit Napoleons III .

Zwei Liebende streiten um ein bronzenes Herz, nach Etienne-Maurice Falconet

 

Die Liebe spielt in zahlreichen Unterhaltungsformen eine zentrale Rolle und begleitet mitunter Venus, Psyche oder das Gefolge des Bacchus. Tanzende oder Wein trinkende Amoretten, die den Bacchantinnen auf Steinböcken folgen, schmücken Kandelaber und Vasen und erfreuen anspruchsvolle Kenner.

 

Unser Paar vergoldeter Bronzekannen im Renaissancestil zeigt einen Umzug von Putten und Bacchantinnen, die die Weinlese feiern. Alle tragen Rebenzweige, Efeukränze und Trauben. Sie tanzen, trinken und spielen verschiedene Musikinstrumente.

 

Die Liebe, oder Amor, dient auch als Vorwand, um die Qualen der Liebe und die Spiele der Verführung darzustellen. Auf diesem Porzellanservice aus der Empire-Ära trauert vermutlich eine junge Frau um den Verlust ihres Geliebten, während Amor ihr den Rücken zukehrt und sie ihrer Einsamkeit überlässt.

Detail der Uhr „Liebe zum Lesen“ von Ledure und Hémon

 

Manchmal ist die Liebe ernst und nachdenklich, wie in mürrischer Liebe oder der Liebesleseuhr des Bronzebildhauers Ledure und des Uhrmachers Hémon.

 

Doch die Liebe wurde meist als fröhliches, lachendes Kind dargestellt, ganz nach den im 18. Jahrhundert beliebten Vorbildern. Amor, der die Züge eines Kindes bevorzugte, erschien als liebenswerte Figur, die mit ihrer galanten und erotischen Gestalt bezauberte.

 

Seltener wird er gemäß der ikonographischen Tradition der Antike in der Gestalt des jugendlichen Eros , wie zum Beispiel auf dieser Bronzeskulptur, auf der er im Begriff ist, einen Pfeil abzuschießen .

 

Von antiken Epen bis zu den Göttern des griechischen und römischen Pantheons, von den Helden, die Homer und Vergil besangen, bis zu den historischen Figuren der klassischen Antike – mythologische Erzählungen haben im Laufe der Jahrhunderte unzählige Künstler inspiriert und sowohl Möbel als auch Dekorationen von Schlössern und bürgerlichen Wohnungen geschmückt.

 

 

Bibliographie

• Dawson, Aileen, „Mythologie und Allegorie“, Die Manufaktur der Aufklärung: Skulptur in Sèvres von Ludwig XV. bis zur Revolution , Dijon, Editions Faton, 2015, S. 128-164.
• Dupuy-Baylet, Marie-France, „Die Uhren der frühen Jahre des 19. Jahrhunderts und die dazugehörigen Möbelstücke“, in L'Estampille - Objet d'art , Nr. 314, Juni 1997, S. 76-82.
• Impelluso, Lucia, Götter und Helden der Antike , Paris, Editions Hazan, 2013.
• Lièvre-Crosson, Vom Klassizismus zum Akademismus , Editions Milan, 2008.
• „Der Triumph des griechischen Geschmacks in der französischen dekorativen Kunst (1750-1775)“, in L'Estampille - Objet d'art , Nr. 432, Februar 2008, S. 66-79.